EL COMPROMISO
POLÍTICO EN EL ARTE COLOMBIANO EN LA DÉCADA DEL 70
Por:
Aura Rico
Los años 70 representaron
para Colombia el fin del Frente Nacional, después de 16 años de dominación, que
no solo dividió el poder del país en dos bandos, si no que, por un lado
invisibilizó un tercer poder político, el de la izquierda, y por el otro, actuó
como detonante para la formación de nuevas milicias, que oprimidas por la hegemonía,
nacieron en un terreno propicio y nutrido de rebeldía que gritaba por un
cambio. Pero este cambio no se vio presente en los dos gobiernos liberales
consecutivos siguientes, que estuvieron en manos de Alfonso López Michelsen y
Julio César Turbay Ayala, por el contrario la situación empeoró y se agudizó.
En mayor medida y de manera más contundente en el periodo de Turbay.
Este fenómeno político que
afecto por completo la sociedad colombiana no quedo impune ante los ojos del
arte que no tardo en pronunciarse al respecto y dar sus juicios ante tan
aberrante período; Beatriz Gonzales (2000) fue una de las artistas que no tardo
en criticar severamente el mandato del presidente Turbay, no solo en sus
testimonios si no también en su obra donde se aprecia el desacuerdo de la
artista frente a la situación a la que el país estaba sometido:
“A mí me parece que fue una
época en la que realmente el pensamiento sufrió, hubo allanamientos a las
casas, hubo allanamientos a las bibliotecas, [...] fue uno de los gobiernos más
irracionales que hemos tenido, de los más inmorales y de los más grotescos”
(p.49). Debido a la gran resonancia de los acontecimientos, el artista ve la
necesidad de configurar un arte testimonial
de fuerte contenido político, es decir, un arte en donde se evidencie el
acontecer político de un país, pero que no
se limite solo a un exposición de los hechos, sino que se la pieza misma
se constituya como una posición política frente a la violencia y mal mandato, un
arte crítico compro- metido con su contexto.
Es este aspecto, la gráfica
(específicamente la obra seriada) adquiere gran valor, puesto que, además del
contenido en sí mismo, su reproductibilidad permite una propagación de la
información lo cual le adjudica un compromiso social con la realidad. Todo
conflicto, por no usar la palabra guerra, genera gran contenido
propagandístico, que está en la búsqueda de la “difusión de consignas y
mensajes que modifiquen las actitudes de la población” (Mantilla, 2007). José
Manuel Mantilla (2007) refiriéndose a las estampas españolas de la guerra de la
independencia, afirma que existen dos formas complementaria para crear un
vínculo y un acercamientos hacia el pueblo a partir de la obra seriada, estos
consisten en: por un lado, exaltar el patriotismo a partir de la narración de
las grandes hazañas de los héroes o líderes; y por otro lado, el método
consiste en destruir la imagen del oponente, empleando como recurso la
susceptibilidad del pueblo ante acontecimientos violentos que se ejercen contra
él, lo que ayuda a confirmar “la inhumanidad del enemigo y refuerza los
sentimientos de indignación y odio generalizado hacia el contrario” (p. 248).
Este tipo de prácticas y
búsqueda de sentido político en la obra gráfica, no solo se quedó en esa
instancia, trascendió a tal punto que este compromiso social permeó en su
totalidad la práctica artística colombiana en la década del 70. En el XXIII
Salón (1972-1973), por primera vez existe una clasificación de la obras por
temas y es en este momento que, María Elvira Iriarte (1972) describe o se
intenta definir lo que concierte a la categoría de “arte político”:
Búsqueda dirigida a hacer de
la expresión plástica un lenguaje donde el con- tenido ideológico minimiza la
importancia de los elementos puramente estéticos. El arte de compromiso social
traduce una actitud política. El artista busca integrarse activamente a un
momento histórico creando una expresión estética al servicio de una ética. Se
expresa dentro de una figuración simple y empleada como referencia directa de
una realidad social [...] La obra adquiere el carácter de discurso, testimonio,
memorando, manifiesto o eslogan. Por lo tanto debe ser evidente en su
intención. Recurre al lenguaje escrito o al sím- bolo –una bandera, por
ejemplo– para determinar los elementos plásticos de un contenido extra
artístico y limitándolos en su función específica. Emplea un grafismo incisivo,
tintas planas, un color de tipo popular. Se mueve dentro de una tipología
primitiva o ingenua y un violento
expresionismo. La expresión plástica del “arte comprometido” es
narrativa. Utiliza una temática de episodios concretos con clara intención
ejemplarizante (PINI, p. 188)
El propósito de este esbozo
de definición de “arte político”, surge de la preocupación por esclarecer
cuales son los límites del compromiso social en las artes y cuando este se
convierte en panfleto, entendiéndose que esta comparación es negativa a razón
de la ineficacia del panfleto y lo efímero o poco contundente de su contenido.
Como con- secuencia de la necesidad de establecer una distinción entre la
plástica y una gráfica que responde más a usos cotidianos o panfletarios; y el
devastador panorama político colombiano, se logra constituir un capítulo
importante en la gráfica colombiana, que no hubiese podido ser si el contexto
fuese otro.
Otros de los factores
primordiales para la constitución de una gráfica colombiana con sentido
político, fueron los talleres, que nacen de la necesidad de generar obras de
una excelente calidad tanto técnica como conceptual; en este marco aparecen:
Taller 4 Rojo, Taller Arte 2 Gráfico, Taller de Umberto Giangrandi, entre
otros, los cuales no solo cumplieron los propósitos mencionados anteriormente,
sino que, se constituyen como pilares claves en el reconocimiento de la gráfica
colombiana en el ámbito latino- americano. Más estos talleres no estarían en
nuestra línea cronológica y artística de no ser por aquellos artistas que los
conformaron y que antes de pertenecer a estos colectivos, si es posible
llamarlos así, emprendieron con su obra esta misma iniciativa por denunciar la
realidad del país más allá del suceso
anecdótico.
En esta exposición se
pretende dar un reconocimiento a aquellos artistas que desde su producción
fueron vitales para el desarrollo de la crítica política en el país a través de
las artes, de manera más precisa en la obra gráfica. Como lo mencionan los
integrantes del Equipo TransHistorЯ: María Sol Barón y Camilo Andrés Ordoñez,
encargados del proyecto curatorial ROJO Y MAS ROJO, estos artistas en sus obras
y planteamientos visuales “exceden los fines ilustrativos en los cuales podría
enmarcarse, y más bien corresponde a la síntesis de una actitud política
colectiva que de manera independiente comenta los acontecimientos bajo una
actitud editorial” (Robayo, 2009)
Es por esta razón que en
esta exposición se quiere dar un reconocimiento Augusto Rendón, Luis Ángel
Rengifo, Pedro Alcántara, Diego Arango, Nirma Zárate, Umberto Giangrandi,
Carlos Granada, Alfonso Quijano, Clemencia Lucena y Luis Paz, puesto que,
paralelamente a su producción artística con temas independientes a la situación
política del país, fueron personajes activos en las “demandas y exigencias de
grupos y movimientos sociales, y apoyaron sus causas a través del diseño de
afiches y carteles” (Robayo, 2009), como es el caso de la mayoría o desde su
producción artística en general realiza- ron fuertes críticas a la situación
del país, que gracias a su carácter serial se constituyen como obras
pertinentes para el contexto colombiano en la década del 70.
Autor: Augusto Rendón, Medellín (1933)
Título: Santa Bárbara.
Fecha: 1963
Técnica: Grabado en metal, Agua, fuerte y
agua tinta.
Dimensiones: 35x50cms
Lugar de conservación: Colección Museo
Nacional de Colombia.
Corrientes estética: Expresionismo
Augusto
Rendón.
Santa Bárbara
(1963)
Contexto
Histórico:
El sábado 23 de febrero de 1963, murieron 12 personas, entre obreros, mujeres y
niños. Fueron asesinados por soldados del ejército en la fábrica de Cementos El
Cairo, de Santa Bárbara (Antioquia), Colombia. Los obreros estaban presentando
una huelga para pedir un aumento salarial ya que debido a la crisis económica
del momento, dicho salario no les alcanzaba para los gastos de la época.
Género: Escena histórica. Protesta.
Análisis
de la Obra
Descripción de la escena:
Lugar: Este grabado no puede ubicarse en un lugar
reconocible, aunque, por su nombre es evidente que narra sucesos ocurridos en
Santa Bárbara, Antioquia.
Personajes: En el grabado se logran
distinguir entre las sombras y los fuertes trazos, 7 cuerpos desnudos humanos.
También se puede ver un animal cuadrúpedo. Cuatro de estos cuerpos tienen
alzados su brazos hacia el aire como si estuviesen clamando por salvación y los
otros dos, están uno extendido en el suelo (mujer) y el otro sentado casi en
posición fetal sosteniendo con sus manos un bebe, que por la expresión de
angustia de la madre, se puede suponer que ha muerto.
Composición:
Características Formales:
La composición responde a unas líneas de
estructura piramidal, siendo la base del triángulo dos mujeres y la cima, las
manos alzadas de los demás personajes, todos hombres. El claro oscuro es
claramente marcado en esta composición, siendo esta característica lo que le
confiere la esencia dramática al grabado. Rendón trata el fondo de la
composición con una textura sutil y en tonos claros, lo cual permite que haya
un contraste entre la acción que se desenvuelve en la escena y el paisaje. El
trazo de Rendón es fuerte y expresivo, y es a través de este que puede lograr
fuertes negros y grises entramados. La iluminación de este grabado es
claramente artificial y no responde a una fuente de luz concreta, lo cual es
comprobable debido al diferente tratamiento de sombras en cada cuerpo.
La influencia de Goya es muy prominente,
tanto así, que cuando ganó el XV Salón Nacional de artistas, (1963), Marta
Traba se refirió a la obra de la siguiente manera: “… seria notable si no
existieran gentes como Goya o Kate Kollwitz”(100 obras para la me- moria). Son
dominantes los grises oscuros.
Interpretación
de la Obra:
En el año 1963, Augusto Rendón ganó el XV
Salón Nacional de Artistas con la obra titulada Santa Bárbara, esta fue la
primera vez que una aguafuerte fue nombrada ganadora de este evento, puesto que
el grabado y dibujo, en este momento en Colombia eran considerados artes
inferiores, comparados con la pintura. Hasta la fecha, ningún otro grabador
colombiano, ha realizado una producción tan amplia sobre “el imaginario del
país desde una mitología personal, sobre las diferentes capas de sus
violencias, desde la masacre de Santa Bárbara, valga de ejemplo, hasta nuestros
días”. (Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte de Bogotá, 2011).
La obra de Rendón, además de ser reconocida
por su virtuosismo, lo es, por su gran compromiso social y político con la
situación del país. Rendón muy angustiado dice: “Colombia, a través de su
historia, es un país inmerso en la tortura y el llanto. Es un país sin
salvación que cayó al abismo de la desesperanza de la cual nadie se salva
mientras no existan actitudes que cambien radicalmente las condiciones
sociales” (Guinard, 2003)
Autor: Luis Ángel Rengifo, Cauca (1908)
Título: Primero de Mayo
Fecha: 1977
Técnica: Linóleo y Xilografía
Dimensiones: 40 x 55 cm
Lugar de conservación: Colección de Arte del
Banco de la República. Corrientes estética: Expresionismo
Luis
Ángel Rengifo
Primero
de mayo
(1977)
Contexto
Histórico:
Cada 1ero de Mayo, se conmemora el día internacional del trabajo. Este grabado
representa la lucha de Colombia por una igualdad laboral y un trato justo.
Género: Alegoría
Análisis
de la Obra
Descripción de la escena:
Lugar: La escena que Rengifo representa
transcurre en un sector industrial, lo cual se puede deducir del tipo de
edificaciones que se encuentran en los planos posteriores de la composición.
Personajes: En la composición se pueden
observar tres personajes y un cuarto personaje, que a pesar de no verse se
supone su existencia debido a que debe estar sosteniendo el otro extremo de la
pancarta. En la imagen se aprecian dos pancartas que llevan en ellas escrito
algún mensaje indescifrable.
Composición:
Características Formales: En la composición
se puede observar alrededor de cinco planos, siendo los tres primeros donde se
presentan los personajes y los dos últimos, los edificios unos mas cerca que
otros. La cercanía del primer plano a los bordes del grabado cumple la
finalidad de integrar al espectador en la acción que se esta desarrollando y
embeberlo de la historia. La línea compositiva del grabado corresponde a una
diagonal que divide de la esquina superior izquierda a la esquina inferior
derecha la composición; esta diagonal le confiere profundidad a la imagen. El
trazo en la xilografía tiende a ser brusco pero Rengifo lo intensifica
intencionalmente en esta obra, para connotar la rudeza del pueblo.
Colores: Aunque en el grabado calcográfico se
pueden lograr grises según el tratamiento de la matriz, Rengifo mantiene el
grabado en dos tonalidades: blanco y negro.
Interpretación
de la Obra
Aunque este no es una de las obras más
importantes y trascendentes en la trayectoria de Rengifo, como lo fueron los 13
Grabados titulados “Violencia”, en ella es muy claro el sentido político y responde
a un imaginario comprensible por el pueblo, lo cual le permite difundir un
mensaje con claridad. La época más significativa en la producción de Rengifo
fueron los 70, puesto que en este momento promueve “la gráfica como técnica
artística de contenido social”(Pini, 1986), lo cual le permitió ser reconocido
por su aporte en el buen grabado testimonial, “logrando resolver problemas tan
difíciles como impedir que el arte de contenido político desemboque en el
panfleto y se quede en un inmediatismo sin importancia” (Pini, 1986).
Autor: Pedro Alcántara, Cali (1942) Título:
Muerte a la muerte
Fecha: 1977
Técnica: Litografía sobre papel - edición 85
de 100
Dimensiones: 37.5 x 53 cm
Lugar de conservación: Tercera Subasta de
Arte
Año: 2015
Corrientes estética: Expresionismo.
Pedro
Alcántara
Muerte
a la muerte
(1977)
Contexto
Histórico:
Esta obra fue el aporte de Alcántara al Graficario de la lucha popular en
Colombia, que fue uno de los más ambiciosos proyectos que buscaba reunir la
monumental obra gráfica realizada hasta la fecha en el país. El graficario
reunió 32 obras de 32 artistas, en donde se reunieron acontecimientos a lo
largo del siglo, desde el génesis de la independencia hasta la fecha (1977).
“Alcántara […] es de los artis- tas que con más dedicación ha trabajado el tema
de la lucha popular y, no por casualidad, jugo un papel decisivo al concebirse
el Graficario” (Me- dina, 1941)
Género: Alegoría.
Análisis
de la Obra
Descripción de la escena:
Lugar: El lugar donde se desarrolla el
grabado no es del todo claro, peor la superficie donde están erguidos los
personajes, nos hace creer que se encuentran en un espacio exterior o un
espacio propuesto desde la imaginación del artista, el cual se caracteriza por
ser oscuro y hostil.
Personajes: La escena se encuentra dividida
en dos bandos, en el lado izquierdo de la composición se puede apreciar el
bando, de lo que se podría suponer son soldados, gracias a su indumentaria como
cascos y armas; y por otro lado esta el bando de la muerte, el cual esta
representa- do por esqueletos armados con largueros de madera.
Composición:
Características Formales:
La composición responde un paralelismo, el
cual divide la imagen a la mitad de manera vertical; aunque no se puede hablar
de una simetría
visual, si podemos hablar de una simetría representacional,
puesto que, según lo que sugiere el título, la muerte esta enfrentando a la
muerte. El grabado responde a un tipo de iluminación artificial, puesto que,
aunque se puede observar una fuente de luz en los planos posteriores a la com-
posición, esta no corresponde a la iluminación de los cuerpos y los esqueletos.
Colores: Alcántara en esta grabado maneja
tonos bastante oscuros, que por momentos dificultan la comprensión de la
imagen, pero que también le brinda ese carácter tenebroso y lleno de
pesadumbre.
Interpretación
de la Obra
La obra de Alcántara
presenta de manera alegórica como la muerte misma reclama su papel y decide dar
muerte a los opresores que con sus armas están llevándose mas vida que ella con
su mandato divino y su justicia inexorable
Autor: Diego Arango, Medellín (1942)
Título: Conjunto testimonio 4
Fecha: 1971
Técnica: Fotoserigrafía sobre papel
Dimensiones: 90x60cms c/u
Lugar de conservación: Colección de Arte del
Banco de la República.
Diego
Arango
Conjunto
Testimonio 4
(1971)
Contexto
Histórico:
Durante el inicio de las luchas estudiantiles, Carlos Augusto “Tuto” González
Posso, cae muerto en Popayán. Este conjunto de 4 fotoserigrafías nacen con la
intención de brindarle homenaje a la labor de este líder estudiantil. Premio
XXII Salón Nacional de artistas, 1971.
Género: Denuncia y Homenaje
Análisis
de la Obra
Descripción de la escena:
Lugar: La obra de Arango es una secuencia de
cuatro grabados cuyo fondo común no sufre ninguna modificación a través de la
serie: un paisaje desértico y montañoso.
Personajes: En medio del paisaje se erige la
figura de un campesino. Más adelante, a medida que se transforman las planchas
de la fotoserigrafía, aparecen más personajes, como el policía.
“Conforman además la composición una serie de
espacios que se van llenando hasta quedar completamente configurados. En el
primero, en la parte inferior, se esbozan instrumentos de tortura, sogas
anudadas. En el segundo se esboza un policía en el centro de la composición, y
las sogas atan unas manos, En el tercero, la imagen del policía se va
enriqueciendo. En el espacio superior izquierdo se va configurando la escena de
un policía pegándole a un estudiante, y en el superior derecho se insinúa un
grupo de personas bien vestidas bebiendo, la gran burguesía. Las escenas de
tortura se clarifican. En el cuarto todas las imágenes han alcanzado completa
nitidez lo mismo que el contenido de la serie: la constante es el campesino
inactivo”(Traba, Lucena, 2012).
Composición:
Características Formales: La pieza está
compuesta por cuatro fotoserigrafías que dejan ver la suma de planchas de color
mientras aparece la figura protagónica de un policía. Debido a la repetición de
las figuras geométricas a cada lado de la imagen se puede establecer que el
tipo de línea estructurante de esta composición es una línea media que divide
simétricamente la imagen. Pero además de eso, los tres cuadrados en la parte
inferior de la imagen y el oficial de policía que ser erige por encima de ellos
forma una composición piramidal, lo cual tiene sentido, puesto que,
representativamente esta ubicando a los marginados en la base de una pirámide
donde el poder arbitrario es la cima.
Colores: Los colores de esta composición
varían en cada plancha dependiendo de los nuevos elementos que se adiciones o
la complejización de imágenes que ya estaban presentes. En los fondos se
emplean colores claros, que van de una gama tonal fría a una más cálida. Los
rombos de la parte superior con complementarios en color. El empleo del color
negro se una para enfatizar sombras y crear mayor contraste en las imágenes. Es
una composición con una amplia paleta de color.
Interpretación
de la Obra
Arango vivió el movimiento estudiantil de
Mayo del 68, en particular, el movimiento artístico y de propaganda de los
partidos alternativos, por lo cual se vuelve comprensible que decida tratar
esta temática con tanta agilidad y destreza, puesto que su gran esfuerzo le
permitió ganar con esta pieza el Premio XXII Salón Nacional de artistas, 1971.
Durante la época en la que Arango vivió en
Francia, recuerda como muchos artistas asumieron los movimientos estudiantiles
con mucha poética: “Creían que era posible una reconciliación de la práctica
política revolucionaria y de la libertad creadora, reconciliación que André
Breton había vivido como dramáticamente imposible” (Arango, 2006).
Esta pieza evidencia como a medida que el
poder represor de la policía aumentaba y se configuraba de mejor manera,
también aumentaba las injurias hacia la población marginada.
Autor: Nirma Zárate, Bogotá (1936) – Diego
Arango.
Título: Serie América Fecha: 1973
Técnica: Serigrafía
Dimensiones: 70x100cms
Lugar de conservación: Colección At Gallery
Nirma
Zárate
Serie
América
(1973)
Contexto Histórico: La serigrafía esta
representado una procesión de las muerte en la década del 70. Actúa como una
alegoría ante todas las vidas que se perdieron en la protestas por la justicia.
Género: Alegoría.
Análisis
de la Obra
Descripción de la escena:
Lugar: El lugar donde se desarrolla la escena
es un exterior, lo cual es notorio por la aspereza del suelo.
Personajes: En la imagen están representados
trece hombres con su cabeza cubierta y caminando uno de tras de otro, estos
hombres representan el papel del verdugo en la narración, lo cual se reafirma
por la armas que llevan en sus mano. Encabezando esta fila, están dos personajes
que llevan vestimentas totalmente distintas a las de los verdugos y que suponen
una clase social alta. Son una pareja mayor, la mujer lleva un bolso en su
brazo y el hombre utiliza un bastón. En el margen izquierdo hay tres líneas de
color que representan la bandera de Colombia.
Composición:
Características Formales: la estructura
lineal de esta composición divide la imagen de manera diagonal, iniciando en la
esquina inferior derecha hacia la esquina superior izquierda, lo cual induce
(además de nuestro modelo de lectura) a una observación de la imagen de derecha
a izquierda. La iluminación genera una serie de sombras que intensifican la
sensación de profundidad
que ya es
generada mediante la ubicación
Espacial de los personajes en la imagen. El
tratamiento de la imagen no es muy delicado, aunque permite con claridad
reconocer formas no es en el detalle donde se encuentra la magia de esta
serigrafía.
Colores:
En la mayoría, la composición esta trabaja en
una escala de grises. El único lugar donde se emplea el color es en el margen
derecho, que como se ha dicho anteriormente representan los colores de la
bandera colombiana, que no solo sirve para situar y contextualizar la acción si
no que se emplea como símbolo patrio.
Interpretación
de la Obra
Nirma Zárate, en un momento de su carrea se
ve comprometida con los asuntos de carácter social y político, la denuncia y la
crítica por parte de los artistas se tomaron los años 70s. Junto al artista y
su esposo Diego Arango, consolido “una nueva obra con sus trabajos
serigráficos, haciendo valiosos aportes en cuanto al entendimiento de los temas
relativos a los cambios y procesos resultantes de una nueva concepción del
mundo, interpretada por los movimientos obreros y las luchas populares,
lideradas por la izquierda en contra del capitalismo imperialista” (Pérez,
Máquina Mágica, 2005)
En esta obra, de coautoría con su esposo, es
evidente aquel compromiso de Zárate con la situación del país y como el
contexto en el cual los artistas, y en general los ciudadanos, estuvieron
obligados a vivir detono muchas practicas tanto graficas como movimientos
revolucionarios.
Autor: Umberto Giangrandi, Pontedera, Italia
(1943)
Título: La violencia en Colombia
Fecha: 1967
Técnica: Mixta. Fotograbado.
Dimensiones: 70x50cms
Lugar de conservación: //
Corrientes estética: Neo- expresionismo
Umberto
Giangrandi
La
violencia en Colombia
(1967)
Contexto Histórico: Giangrandi inicia un
extenso período de obra testimonial y política. Se destacan sus grabados con el
tema de la guerra en Colombia y Vietnam, las torturas a los negros y los
campesinos, la mujer para Giangrandi es un elemento esencial en su obra, no
solo en el carácter erótico que le pueda conferir si no también desde el
efectismos visual que provoca ver una mujer maltratada por la violencia
colombiana y como esto seguramente generara una respuesta en el público.
Género: Denuncia.
Análisis
de la Obra
Descripción de la escena:
Lugar: La escena acontece en el campo, lo
cual se puede deducir de las masas oscura y otras mas livianas que aparentan
ser, cada una respectiva- mente, montañas y nubes.
Personajes: La escena consiste en una mujer
que lleva en brazos un bebe. La mujer esta ubicada en el primer plano en la
esquina inferior derecha desde el espectador. Ella se encuentra detenida
observando hacia arriba, con su rostro direccionado hacia la esquina superior
izquierda, desde el espectador, donde se encuentra un helicóptero, como símbolo
amenazante para el campo. La mujer debido a sus vestimentas que cuelgan de ella
puede reconocerse como una mujer de campo o tal vez una indígena, gracias al
atavió que lleva en su cabeza.
Composición:
Características Formales: La dirección de la
mirada de la mujer genera una diagonal imaginaria, la cual puede comprenderse
como la línea compositiva del grabado, debido a que, gracias a esta línea, el
espectador se ve inducido a realizar el recorrido de la imagen en la forma
sugerida por el artista. Existe un especial tratamiento casi geométrico, tanto
en la anatomía de la mujer como en sus vestidos, el trazo es delicado y el
artista busca generar gran detalle en los pliegues de la ropa, a diferencia del
tratamiento del paisaje, el cual esta comprendido por grandes bloques solidos,
algunos con texturas y otros planos. En el helicóptero hay un especial detalle
en la parte trasera de él, más en su parte delantera el artista se limito a
generar su silueta únicamente.
Colores: En este grabado, Giangrandi, emplea
una tinta ocre sobre un papel de sensación envejecida.
Interpretación
de la Obra
“Giangrandi y Rendón, sin duda, fueron los
primeros artistas en el país en comprender enteramente el hecho de que para
poder entendérselas seriamente con las ideas de contenido social se hace
necesario un nuevo lenguaje pictórico y un nuevo instrumento que las exprese
del modo más cabalmente contemporáneo y con mayor capacidad de transmisión
popular, si se pretende que estas ideas tengan coherencia y lleguen a un vasto
sector del público. Y esto lo han hecho a través de las artes graficas, una
forma de ascetismo estético constitutivo muy posiblemente del gran arte del
futuro y su misión social, y donde la pulcritud y el cuidado de la técnica no
interfiere sin embargo la espontaneidad y la fuerza” (Mario Rivero. Revista
Diners, 1978).
Según lo anterior, es evidente que, aunque el
grabado anterior tiene un alto contenido de demanda política y de compromiso
social, mantiene una estética que no lo tilda de panfletario y una calidad y
contundencia que le permite con- vertirse en una imagen contestataria para el pueblo.
Autor: Carlos Granada, Tolima (1933)
Título: Testimonios (3) (De la carpeta de
grabados "Testimonios")
Fecha: 1974
Técnica: Litografía.
Dimensiones: 34 x 47 cm
Lugar de conservación: Colección de Arte del
Banco de la Republica.
Corrientes estética: Neo- expresionismo
Carlos
Granada
Testimonios
(3)
(1974)
Contexto
Histórico:
En este momento Colombia se encuentra bajo el mandato del liberal Alfonso López
Michelsen, y bajo su periodo resurgen los grupos paramilitares y el costo de
vida incrementa en un 40%, por lo cual no demoran en pronunciarse los sindicalistas.
Análisis
de la Obra
Descripción de la escena:
Lugar: Aunque no hay muchos elementos en esta
imagen que permitan connotar en qué lugar a acontecido la acción, es casi
indudable que se ha realizado en un interior, lo cual se puede deducir de las
esquinas dibujadas por el piso y la columna sobre la cual esta recostada la
mujer.
Personajes: La acción que sucede en la imagen
esta protagonizada por los dos únicos personajes. Una mujer atada de brazos y
con los ojos cubiertos que esta gritando con su cara mirando hacia arriba y
enfrente de ella, un oficial o miembro de la autoridad colombiana, lo cual se
puede deducir de su vestimenta; el hombre sostiene en su mano izquierda un
cuchillo, su mano esta levantada por encima de la línea de horizonte.
Composición:
Características Formales: En el tratamiento
de la anatomía de los personajes hay una fuerte tendencia a la caricaturización,
debido a la desproporción del cuerpo respecto a las enormes cabezas y manos.
Las líneas el dibujo son brusca y llenas de aristas, es decir la figuras,
aunque no están geometrizadas, las líneas que las componen generar esta
sensación debido a su rigidez. El artista concentra grandes zonas de negro en
los personajes, dejando casi por completo el fondo de la imagen en blanco. “Aquel
lugar que rodea a las figuras es un espacio estático, ya que los toques que el
artista le ha dado al fondo refleja un cansancio emocional por (la vida,
la civilización y la esperanza) factores
que se hicieron comunes en ese periodo de creación por los acontecimientos
socioculturales de la época” (Fernández, 2010)
Colores: El artista concentra grandes zonas
de negro en los personajes, dejando casi por completo el fondo de la imagen en
blanco. Lo cual permite que la acción destaque sobre el entorno simple y
llano.
Interpretación
de la Obra
La obra encarna todo el carácter violento de
la época y se convierte en excepcional puesto que logra hacer reconocer al
espectador en los personajes, sobre todo en la mujer, que gracias a sus gestos
logra congraciarnos de tal manera que la imagen del hombre se vuelve aberrante.
Es evidente un interés de denuncia en este obra, que aunque no esta narrando un
acontecimiento fechado si esta brindando un conjunto simbólico que per- mite
que esta imagen sea reconocible y que él mensaje de denuncia y compromiso
político y social sea evidente.
Autor: Alfonso Quijano, Bogotá (1927)
Título: La cosecha de los violentos Fecha:
1968
Técnica: Xilografía coloreada sobre papel,
edición 16/20
Dimensiones: 39 x 68 cm
Lugar de conservación: Colección de Arte del
Banco de la república.
Alfonso
Quijano
La
cosecha de los violentos
(1968)
Contexto
Histórico:
Aunque no es una obra creada dentro del contexto de los años 50, en donde
permanecía los enfrentamientos entre liberales y conservadores, hace referencia
a estos hechos, y de manera más precisas a las formas en que murieron muchas
personas, formas nunca antes vistas por la historia colombiana y que generaron
gran conmoción en el país. “Un gran árbol oscuro protagoniza la escena: bajo
sus ramas, que se extienden a manera de garras, reposan cadáveres de hombres y
mujeres como si fueran sus frutos” (Ordóñez)
Género: Alegoría.
Análisis
de la Obra
Descripción de la escena:
Lugar: La escena se desarrolla en un
exterior, en donde se puede apreciar varios planos de árboles luego del árbol
principal que se encuentra ubica- do en el centro de la imagen. En el lugar
están dispuestas alrededor de 11 mesas donde se encuentran depositados cuerpos.
En el piso de la composición hay unas líneas que se expanden por todo el
terreno y parecen provenir del árbol
Personajes: En la imagen se aprecian 13
cuerpos inertes entre mujeres, hombres, niños y niñas, los cuales se encuentran
dispuestos en las mesas antes mencionadas. En el primer plano se puede observar
a una mujer, que por la prominencia en su abdomen, puede pensarse que estaba en
embarazo.
En esta imagen, quien se roba el protagonismo
es el árbol, que además de estar ubicado en el centro de la composición, es
sobre el cual hay un mayor nivel de detalle. El árbol parece estar construido
de árboles más pequeños.
Composición:
Características Formales: Por la manera en
que se encuentran ubicadas las mesas con los cadáveres y la forma del árbol, es
clara una composición piramidal, la cual ha sido asociada, desde los tiempos de
Goya, con un carácter funerario, lo cual en este imagen es de total certeza. La
imagen se encuentra dividida en 8 planos, siendo el último el paisaje y los
otros 7 corresponde a las mesas y su ubicación en el paisaje. En la imagen no
existe una iluminación marcada, por el contrario, este no es un elemento
relevante en la imagen, puesto que no es concebido como un generador de
dramatismo visual.
Colores: Toda la composición maneja una
paleta de colores tierra, tanto en las vestimentas de los fallecidos, como en
el cielo, con un tono anaranjado pálido. Los arbustos y árboles que enmarcan la
composición desde planos traseros también manejan esta paleta. El único elemento
en la composición que maneja colores, que aunque siguen estando en la gama de
colores tierra pero, con mayor intensidad, es en el árbol, en donde se pueden
apreciar algunos negros que hacen que la forma fluida del árbol destaque.
Interpretación
de la Obra
Según las palabras de Clemencia Arango:
“Esta obra de [Alfonso] Quijano presenta un
reflejo de la violencia, y despliega la paz de la expiración. De ahí la quietud
silenciosa y fúnebre de su paraje solitario donde reposan ordenadamente los
cuerpos de hombres y mujeres a quienes se reconocería en sus pueblos o veredas:
la pareja que permaneció unida después de la muerte, la mujer embarazada, la
estudiante, el joven, el trabajador. Todos sin vida. Producto y cosecha de la
violencia.” (Ordóñez)
Aunque esta imagen, en su elaboración no hay
sesgos de brusquedad ni de violencia, sigue representando, como lo menciona
Clemencia Arango la quietud silenciosa de la muerte, producto de un conflicto
político.
Autor: Clemencia Lucena
Título: Vivan las marchas campesinas
Fecha: 1971
Técnica: Tinta china y tempera.
Clemencia
Lucena
Vivan
las marchas campesinas
(1972)
Análisis
de la Obra
Descripción de la escena:
Lugar: La imagen no ubica a los personajes en
ningún contexto, puesto que se limita a un fondo en blanco, donde no hay, si
quiera una línea de horizonte definida.
Personajes: Los personajes son una pareja de
campesinos que lleva el cartel “La tierra para el que la trabaja”. Se reconoce
que esta pareja de personas son campesinos debido a “están construidos desde
los atributos exotizantes que se asignan al campesino: sombrero, poncho, camisa
blanca de manga larga y pantalón arremangado hasta la mitad de la pantorrilla.
La mujer lleva un vestido estampado con flores. Ambos usan alpargatas de soga y
fieltro. Campesinos exotizados que marchan con optimismo; héroes positivos, tal
como los pre- scribía el realismo socialista” (Giunta, 2014)
Composición:
Características Formales: En esta imagen no
existe una clara línea compositiva puesto que los personajes se encuentran tan
cercanos al marco de la imagen, que es difícil definir esto. No hay un
tratamiento dedicado en la imagen y tampoco el uso de diferentes planos. Solo
existe un plano y es donde se encuentran los personajes.
Colores: Los colores utilizados por Lucena
pertenecen a una gama de colores pasteles. El color que llama más la atención
de la composición es el rojo que se encuentra en las letras de la pancarta y en
un elemento que es interesante, el marco.
Interpretación
de la Obra
Esta obra, a diferencia de las demás obras
del proyecto curatorial, responde a un sentido de la imagen mucho más
anecdótico y directos, en donde el interés por la imagen en sí mima se ve un
tanto desplazado por el mensaje a comunicar.
“El estilo de Lucena corresponde a una
localización de la estética del real- ismo socialista y de la teoría de las
tres preeminencias en los que por algún tiempo este estilo se sustentó. Así, había
que destacar a los personajes positivos entre todos los personajes
representados, resaltar a los héroes entre todos los personajes positivos y por
último, dar prominencia al héroe principal entre todos los héroes (Medina Á.,
1978).
Autor: Clemencia Lucena
Título: Vivan las marchas campesinas
Fecha: 1971
Técnica: Tinta china y tempera.
Clemencia
Lucena
Vivan
las marchas campesinas
(1972)
Análisis
de la Obra
Descripción de la escena:
Lugar: La imagen no ubica a los personajes en
ningún contexto, puesto que se limita a un fondo en blanco, donde no hay, si
quiera una línea de horizonte definida.
Personajes: Los personajes son una pareja de
campesinos que lleva el cartel “La tierra para el que la trabaja”. Se reconoce
que esta pareja de personas son campesinos debido a “están construidos desde
los atributos exotizantes que se asignan al campesino: sombrero, poncho, camisa
blanca de manga larga y pantalón arremangado hasta la mitad de la pantorrilla.
La mujer lleva un vestido estampado con flores. Ambos usan alpargatas de soga y
fieltro. Campesinos exotizados que marchan con optimismo; héroes positivos, tal
como los pre- scribía el realismo socialista” (Giunta, 2014)
Composición:
Características Formales: En esta imagen no
existe una clara línea compositiva puesto que los personajes se encuentran tan
cercanos al marco de la imagen, que es difícil definir esto. No hay un
tratamiento dedicado en la imagen y tampoco el uso de diferentes planos. Solo
existe un plano y es donde se encuentran los personajes.
Colores: Los colores utilizados por Lucena
pertenecen a una gama de colores pasteles. El color que llama más la atención
de la composición es el rojo que se encuentra en las letras de la pancarta y en
un elemento que es interesante, el marco.
Interpretación
de la Obra
Esta obra, a diferencia de las demás obras
del proyecto curatorial, responde a un sentido de la imagen mucho más
anecdótico y directos, en donde el interés por la imagen en sí mima se ve un
tanto desplazado por el mensaje a comunicar.
“El estilo de Lucena corresponde a una
localización de la estética del real- ismo socialista y de la teoría de las
tres preeminencias en los que por algún tiempo este estilo se sustentó. Así, había
que destacar a los personajes positivos entre todos los personajes
representados, resaltar a los héroes entre todos los personajes positivos y por
último, dar prominencia al héroe principal entre todos los héroes (Medina Á.,
1978)
Autor: Luis Paz, Cúcuta (1937)
Título: Presente No 2
Fecha: 1979
Técnica: Grabado litográfico.
Dimensiones: 80 x 60 cm
Lugar de conservación: //
Corrientes estética: Figuración
expresionista.
Luis
Paz
Presente
No 2
(1979)
Contexto
Histórico:
Su trabajo gráfico, que en momentos se aleja de una figuración clara, es
perfecto para hablar de las consecuencias de los estragos de la violencia
colombiana, y es desde este aspecto que Luis Paz aborda su compromiso social.
Género: Alegoría.
Análisis
de la Obra
Descripción de la escena:
Lugar: Detrás del retrato de este personaje
sin nombre, se logran ver unas manchas ocasionadas por el ácido en la placa y
son estas, las que constituyen el lugar de la composición.
Personajes: En un primer plano, resolviendo
la imagen en un retrato, Paz ubica una persona de la cual no conocemos su
identidad, hay una breve figuración y tratamientos especial en los ojos y en la
boca de esta persona, pero el resto de su anatomía esta recreada a partir de
manchas y trazos inexactos, por
Composición:
Características Formales: Por constitución
anatómica la composición de la imagen adquiere una línea de estructuración
piramidal. Este personaje se mimetiza con el fondo de la imagen, debido a la
inconsistencia de las formas y el uno del color negro en toda la imagen.
Colores: Paz emplea líneas y pequeños bloques
blancos para intensificar las formas y llamar en aquellos lugares la atención
del espectador.
Interpretación
de la Obra
Luis Paz desde sus formas logra ironizar los
trasfondos, denunciando con sarcasmo las mentiras y falsas promesas de una
política justa en Colombia. La obra “Presente No. 2” es un grabado litográfico
en el que “el artista logra con los ácidos la imagen impresionante de un hombre
que se transforma en manchas, gotas y zonas amorfas, como indicio de la
cortedad del tiempo o el producto de la fatalidad presente por el con- texto
del pueblo colombiano” (Pérez, 2006)
Álvaro Medina, refiriéndose a la obra de Luis
Paz en la década de los 70, afirma que:
“Decir que Paz es un artista de intenciones
políticas, en el preciso momento en el que muestra (Arte y Política en el Museo
de Arte Moderno de Bogotá) saca del ostracismo y de la clandestinidad a
manifestaciones comprometidas con el proceso social por la vía del realismo, es
paradójico, pero no menos cierto, porque Paz definitivamente no trabaja dentro
de las convenciones al respecto […] Paz no es un militante, pero tampoco es un
artista movido por angustias existenciales. Su obra es objetiva como pocas y se
limita deliberadamente a usar el medio para la comunicación de datos,
característica esta del arte conceptual. Solo que en Paz esos datos son
políticos por su actualidad e importancia social” (Lozano, 2007).
